Petite histoire de la notation musicale |
A Fabrice
Le besoin de représenter la musique par un système de notation se manifeste dans la plupart des civilisations qui connaissent une écriture.
Les premiers signes de notation musicale, datant du XVIIIe siècle avant J.-C., figurent sur des tablettes cunéiformes d'Ur en Chaldée (British Museum).
En Occident, il faut attendre le Ve siècle avant J.-C. et, dans le monde chrétien, le IXe siècle après J.-C. pour trouver les premières traces de notation.
Les Grecs adoptent un premier mode de notation alphabétique: seize lettres représentent deux octaves et un ton (gamme éolienne) qui correspondent à peu près aux touches blanches du piano. Pour élever la note d’un demi-ton, on place la lettre correspondante la tête en bas et, pour l’élever d’un quart de ton, on la couche sur le côté. Par la suite, ils utilisent un système plus élaboré, fondé sur vingt-quatre lettres.
Les Romains reprennent le même principe mais en substituant les lettres latines aux lettres éoliennes.
C’est au Xe siècle, sans plus de précision, qu'Hubald, moine de Flandres, aurait créé la portée pour faciliter la notation et la lecture de la musique.
Cependant, jusqu’au XIe siècle où commencent à apparaître des portées de deux ou trois lignes, la portée est une simple ligne horizontale qui sert d’axe à la note F (fa) et sépare les neumes graves des neumes élevés.
Le neume (du grec neuma = signe), terme de musique en usage au Moyen Âge (du VIIIe au XIIe s.), est un signe graphique placé au-dessus des syllabes à chanter, dans les livres d’église (antiphonaires, matutinaires, vespéraux) : la virga (virgule) indique que le son monte, le punctum (point) que le son descend.
Cette graphie se perfectionne peu à peu en précision; le scribe écrit les neumes à des hauteurs différentes puis les lignes apparaissent. Chaque ligne étant réservée à une note et ouverte par une clé (la lettre correspondant à cette note), leur nombre varie selon les besoins et peut atteindre dix-huit. Une polychromie complète le système: ligne rouge pour F, jaune pour l'équivalent de do.
Au XIIe siècle, la plume d’oie se substitue au roseau et entraîne une déformation de l’écriture : la notation carrée, encore utilisée aujourd’hui pour le chant grégorien. Le neume peut alors désigner une ou plusieurs notes réunies en un même graphisme composé.
Le terme neume qualifie aussi une mélodie courte et caractéristique du chant grégorien (on parle, par exemple, du neume de l’Alléluia).
En Toscane, Guido dit d’Arezzo ou d’Arétin (né vers 990, + 17 mai 1050), moine bénédictin et maître de musique à l’abbaye de Pomposa puis à Santa Croce d’Avellano près d’Arezzo, crée entre 1025 et 1033 des portées de quatre à six lignes avant de se fixer à cinq.
On lui doit également la main guidonienne qui permettait de visualiser plus facilement les intervalles et de jouer de la musique sans instrument.
Guido d’Arezzo a recours, non plus au tétracorde comme ses prédécesseurs, mais à l’hexacorde, ce qui lui permet de mettre en place la solmisation.
La solmisation est un système d’enseignement de la lecture musicale par relativité, procédé mnémotechnique qui sera maintenu jusqu’à la fin du Moyen Âge, au moment de la naissance du contrepoint et de la généralisation de la portée.
Guido d’Arezzo, pour nommer les notes (degrés de la gamme dite hexacorde) désignées jusqu’ici par des lettres de l’alphabet (le mot gamme provient de gamma, nom de la troisième lettre de l’alphabet grec, utilisé pour désigner d’abord la première note de la gamme, puis la gamme elle-même), choisit les six premières syllabes des hémistiches des premiers vers de la première strophe de l’Hymne à Saint Jean-Baptiste attribué à Paul Diacre (730-799):
Ut queant laxis...
Resonare fibris...
Mira gestorum...
Famuli tuorum...
Solve polluti...
Labii reatum...
Le si, septième note dela gamme, n’est pas introduit par d’Arezzo, car il aurait permis de former un «triton», intervalle dont il se méfiait et qui fut surnommé «le diable dans la musique» pour sa grande dissonance. Son ajout, à la fin du XVIe siècle, est attribué à Anselme de Flandres, à partir du «s» et du «i» du dernier vers de l’hymne à Saint-Jean-Baptiste : "Sancte Iohannes".
Pour indiquer le son central de la série, Guido d’Arezzo place une lettre-clef au début de la ligne.
Il est considéré comme l'initiateur du solfège.
Guido d’Arezzo
A partir du XIIe siècle, la notation carrée permet le développement de la polyphonie et on utilise les clés d’ut et de fa, puis de sol.
La solmisation se répand surtout dans les pays de langue latine. Les pays anglo-saxons ou de langue germanique préfèrent utiliser des lettres correspondant aux notes (CDEFGAB chez les Anglais, CDEFGAH chez les Allemands).
Vers 1250, la première notation modale (division ternaire) indique la durée et les silences.
En 1321, dans son traité théorique sur la musique, Philippe de Vitry présente son système intitulé Ars Nova (Art Nouveau). Les principales améliorations qu’il apporte sont majeures telles que la polyphonie, le système mensuraliste, la notation mesurée, l’isorythmie et l’isopériodicité: elles rapprochent la notation musicale de ce que l’on connaît aujourd’hui.
Notation musicale religieuse, Italie, XIVe siècle
Au XIVe siècle, en France, des fractions marquent la mesure. A la fin du dit siècle, apparaît la notation blanche pour laquelle on utilise des carrés creux à la place des carrés rouges.
Au XVIIe, apparaît en Angleterre la portée de 6 lignes. C’est cependant la portée de 5 lignes, toujours en usage, qui conviendrait le mieux à notre perception visuelle.
Giovanni Battista Doni (vers 1593 à Florence - 1647), musicologue italien, parait être le premier à avoir employé le Do au lieu de l’Ut dans la solmisation. Certains avancent que le Do a été choisi en tant que première syllabe de son patronyme: Doni. D’autres prétendent qu’il a été tiré de Dominus ou de Domine.
En 1673, Giovanni Maria Bononcini de Modène (Italie) propose de généraliser l’emploi du Do, plus euphonique, à la place de l’Ut difficile à solfier.
Les bases de la notation classique n’ont guère évolué depuis le milieu du XVIIIe siècle.
Depuis le XVIIIe siècle, la partition regroupe entre eux les instruments d’une même famille.
Depuis le début du XIXe siècle, le mouvement dans lequel l’oeuvre doit être exécutée et qui figure en tête de la partition, se réfère aux battements du métronome.
L’évolution de la musique au début du XXe siècle entraîne une évolution parallèle de la notation qui doit s’adapter aux nouvelles techniques de composition: de nouveaux signes viennent compléter la notation existante.
Les signes qui figurent sur une partition ne sont que la traduction de l’oeuvre.
L’exécutant reproduit les signes notés en les jouant à sa façon, d’où l’importance de la qualité de l’interprétation.
Dans la musique contemporaine, le compositeur offre parfois même à l’exécutant plusieurs possibilités entre lesquelles il peut choisir. Le rôle de l’interprète est ici déterminant, car il intervient dans la création de l’oeuvre.
Musique dodécaphonique. C'est le nom donné aux musiques atonales utilisant les 12 degrés chromatiques, les douze sons (demi-tons) de la gamme chromatique séparés par des intervalles égaux et, plus particulièrement, à toute musique composée selon le système dodécaphonique sériel mis au point par Arnold Schönberg entre 1908 et 1923. Ce système utilise en effet les 12 sons chromatiques (dodécaphonique signifie 12 sons), selon des lois que Schönberg a peu à peu dégagées, et qui ont été modifiées, affinées, compliquées ou détournées par ses élèves (Berg, Webern, Eisler), ses successeurs, et lui-même. D'autres compositeurs, comme Joseph-Mathias Hauer ou Falke, ont conçu des systèmes dodécaphoniques différents du sien, mais qui n'ont pas été adoptés ou repris. (https://www.larousse.fr/encyclopedie/musdico/musique_dod%C3%A9caphonique/167268)
Citations
Comment un homme dépourvu des vertus qui sont propres à l'homme peut-il cultiver la musique ? (Confucius v. 551-479 av. J.-C.)
Ne fréquente pas la femme musicienne, de peur que tu ne sois pris dans ses rets. (Bible, L’Ecclésiastique IX 4)
L'homme qui n'a pas de musique en soi et que n'émeut pas un concert de doux accords est capable de trahisons, de complots et de rapines. (William Shakespeare, Le Marchand de Venise, 1594/1597)
Où il y a de la musique, il ne peut rien y avoir de diabolique. (Cervantès, Don Quichotte, 1605/1615)
La comédie réveille les sens, la musique les jette à la renverse. (Les Caquets de l’accouchée, 1622, anonyme)
La musique est aussi dangereuse que la poudre à canon. (Jeremy Collier 1650-1726)
La musique a sept lettres, l'écriture a vingt cinq notes (...) La musique, dans les dangers, élève plus haut les pensées. (Joseph Joubert 1754-1824)
La musique est une révélation plus haute que toute sagesse et toute philosophie. (Ludwig van Beethoven + 1827)
La musique creuse le ciel. (Baudelaire 1821-1867)
La musique est le plus cher de tous les bruits. (Théophile Gautier 1811-1872)
La musique offre aux passions le moyen de jouir d'elles-mêmes. (Friedrich Nietzsche, Le Gai Savoir, 1882)
La musique c’est du bruit qui pense. (Victor Hugo 1802-1885)
La musique est peut-être l’exemple unique de ce qu’aurait pu être – s’il n’y avait pas eu l’invention du langage, la formation des mots, l’analyse des idées – la communication des âmes. (Proust 1871-1922)
La musique est l'âme de la géométrie. (Paul Claudel 1868-1955)
La musique est le domaine des démons. C'est l'art chrétien au mode négatif. (Thomas Mann 1875-1955)
J’ai dit quelque part qu’il ne suffisait pas d’entendre la musique, mais qu’il fallait la voir. (Igor Stravinsky 1882-1971)
La musique seule peut parler de la mort. (André Malraux 1901-1976)
La musique est le refuge des âmes ulcérées par le bonheur. (Émile Michel Cioran 1911-1995)
Peu importent les notes, en musique, ce sont les sensations produites qui comptent (Léonide Pervomaïski, écrivain ukrainien)
Le musicien est l'écrivain des notes ; l'écrivain est le musicien des mots (...) La Société des Auteurs Compositeurs et Éditeurs de Musique (SACEM) connaît la musique et fait payer la note, en silence, facture à la clé, sans mettre un bémol et malgré les soupirs... (Jean-Paul Coudeyrette, Autocitations)
Sources
Auteur : Jean-Paul Coudeyrette
Référence publication : compilhistoire ; reproduction interdite sans l'autorisation de l'auteur.
Date de mise à jour : 20/05/2024